オプションの基本形は、コールの買いと売り、プットの買いと売りの４種類。複雑そうに見える商品でも、分解すればこの基本形に分けられる。逆にいえば、この４つの基本形を組み合せて、それに行使価格や金額を変えたりすることで、多様な商品を作り出せる。 くりっく365は、それ自体は絵画を主体とした書籍のうち、物語などテーマを設けて文章を付与し、これを読ませるものである。しかし幼児向けのものでは、幼児自身はまだ十分に文字が読めないため、大人や年長者が物語を読み聞かせつつ、絵を眺めさせるという形態が一般的である。これによって言葉とイメージ（視覚から得た情景）を関連付けさせ、言葉の意味を学習する一種の家庭教育的な効果も期待されるが、より日常的な場では、単に娯楽という側面が強い。また児童向けのものでは、絵本の文章は情景を示す物語ではあるが、絵のほうから得られる副次的な情報が、文章の説明を補足する性質も見られる。 絵図の内容は、これと同時に掲載される文章に基づくものであるが、絵本自体は物語のみには限定されない。後述するように「大人向けの通俗的なもの」も見出される。 絵本は、その初期において識字率の低い大衆に内容を理解させるという性質も強かったと考えられる。こと宗教の布教において説話や抽象的概念を絵図で示すことは世界各地にその類型がみられ、神話や伝説なども絵図入りの書物の形で示されたものも数多い。 日本における絵本は、平安時代の絵巻物を起源とし、室町時代の奈良絵本、江戸時代の草双紙と歴史をたどることができる。特に江戸時代の赤本が、子供向けに作られた絵本といえる。明治時代になって欧米の印刷技術や絵本が入り、現在のような絵本の形態になってきた。絵本は、絵だけのものもあるが、基本的には絵と言葉によるコラボレーションであり、ページをめくるという行為が重視される。 日経225は、一般に幼児向けの教育的なものを意図して製作されたものと捉えられているが、戦前からの絵雑誌である「コドモノクニ」「キンダーブック」の幼稚園での普及による影響があるためであり、戦前でも「講談社の絵本」など児童以上向けの絵本は存在していた。 ヨーロッパにおいては、18世紀にイギリスで最初の児童書出版者ニューベリーによる出版物を経て、19世紀半ばに絵と言葉を融合した現代絵本の形態が完成した。ヨーロッパでは、幼児以上の年齢層をも対象とし、純粋な娯楽を目的としたものもあるが、場合によっては多少エロティックな内容を含んだ「俗悪な」ものも存在する。ヨーロッパでは日本ほど漫画が普及しておらず、いわば、日本の江戸時代における春画的なポジションも絵本が担っている。 最古の教育絵本は、宗教改革の時代にモラビアのボヘミア地方出身の教育者ヨハン・アモス・コメニウスが作ったとされる『世界図絵』で、今日の学習絵本の元祖といわれている。 昭和初期の日本で誕生した。日本独自の存在で、バリ島のワヤンなど影絵芝居や紙人形芝居を除けば他国に例を見ないものであった。 絵話、絵芝居、平絵と呼ばれることもある。 台本に沿って描かれた数枚から十数枚の絵をその筋書きに沿ってそろえて重ね合わせ、演じ手は、1枚目から順に観客に見せながら、筋書きとセリフを語っていく。 見せ終わった絵は、横に引き抜いて裏に回し、物語を展開させていく。 紙芝居では、演じ手（一人）と観客（複数）とが向き合い、実演を通して直接交流することにより盛り上がる。演じ手は観客の反応を見ながら、絵の引き抜き方、声色、台詞回しなど演じ方を自在に変える事もできる。この双方向性と一体感は、TVなどの一方通行のメディアでは得られぬ紙芝居の特質である。 よって、紙芝居においては素材の「絵」だけでなく、実演する「演じ手」も重要な要素であり、演じ手の質が紙芝居の効果をはっきり左右することになる。 他のパフォーマンスとの相違 紙芝居は「絵」と演じ手の「語り」が主体である。これに対して 普通の芝居（演劇）は複数の「人＝役者」が主体。 人形芝居（人形劇）は「人形」と演じ手の「語り」が主体。 絵本の読み聞かせでは、「絵」が主体で「語り」は「従」。 現在の日本で隆盛を誇るマンガは、紙芝居の「語り」や動きを「絵」に書き込んだものと見ることもできる。アニメは絵とセリフが主体であり紙芝居にかなり近いが、観客は「受身」に終始する。 現在見る形式の紙芝居は戦前と戦後に1回ずつのブームに沸いた後、 内容が教育的でないなどの批判に遭って自主規制したため自由奔放な発想を失ったこともあり、お株をTVに奪われて急速に衰退していった。 現在では、街頭紙芝居はほとんど廃れ、代わって一般市民が「手づくり紙芝居」を楽しんでいる。 古来より、日本には「絵解き」と言って、絵を見せながら物語を語って聞かせる伝統があった。 『源氏物語』にも、女房が姫君たちに絵巻を見せながら物語る場面が出てくる。 寺では僧侶が曼荼羅や寺の縁起を「絵解き」で参拝者たちに語って聞かせた。 時代が下り、江戸時代から明治・大正にかけて、小さな穴から箱の中の絵を覗くのぞきからくり縁日の見世物小屋で楽しまれた。絵だけではすぐあきられるので、これに語り（のぞきからくり節）をつけたものが人気を博した。 また同じ時期に寄席や縁日で楽しまれた、写し絵、手影絵、影絵眼鏡もまた、「絵を見せながら語る」という点で、紙芝居の源流と言うことができる。 この延長線上に無声映画があり、映画館では活弁士がスクリーンの前で熱弁を振るった。 CFDと言う、竹の串につけた20×10cm程度の紙人形を舞台で動かす芝居が現れた。1890年代、円朝の弟子「新さん」が考案したといわれ、昭和初期に現在の紙芝居形式（平絵）が登場するまで、この立絵が「紙芝居」と呼ばれていた。1927年ごろの不況の中で立絵は消えていった。 現代では、最初から大人をメインターゲットとした、芸術性の高い絵本も制作されている。幼児や児童向けでも、大人が読むとその荒唐無稽さから極めて超現実的な印象を受ける絵本というのも存在するが、その一方では物語に託された深い洞察や示唆に大人が関心を示すケースというのも見られ、世代を超えて愛される絵本の中には、こういった良質な「作品」も見出される。 絵本作家という職業もあり、こと良質な作品を発表し続けているそれらが、一流のストーリーテラーであったり、あるいは心の機微に対する深い哲学を持ち作品に反映させていたり、また子供の感覚で見慣れた事物にも新鮮に感じさせる視点が存在していることをあらわしているという作品も見られる。 この中では、子供から大人まで巻き込んでブームを巻き起こすケースも見られ、『100万回生きたねこ』のように深い感動を読者に与えた作品もあれば、『ウォーリーをさがせ!』のように遊びを提供するゲームブック的な性質で愛好者を増やした作品も見られる。 シリーズ化された作品では『ナインチェ・プラウス』（日本では「ミッフィー」ないし「うさこちゃん」という名前で知られるウサギ）や『アンパンマン』のように、様々なメディアに展開されているものもあり、単に絵本という枠から飛び出し世界中で愛されているキャラクターもみられる。逆に既存のキャラクターを絵本化するケースもあり、アニメなどでも子供向け作品の中に、絵本化され提供されている作品も見出される。